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Point Line Plane (2010) dir. Simon Payne
- En este caso encontré muchas similitudes con el cortometraje de Paul Sharits, como ser, las luces parpadeantes y que ambas inician/finalizan de la misma manera. Se puede observar un degradé en la paleta de colores, que va indicando la aceleración del ritmo, a través de los colores. Comienzan estas líneas con los grises, hasta llegar a cubrir toda la pantalla de blanco. A partir de allí, comienza la desaceleración, que llegará finalmente al negro, pero esta vez, junto a las luces parpadeantes.
- Es importante destacar el uso del sonido como otro elemento enriquecedor.

Dream Work (2001) dir. Peter Tscherkassky
- Encontré varios contrapuntos a lo largo del cortometraje, es decir, antítesis tales como el sueño y el despertar; la oscuridad y la luz; el placer y el dolor.
- Una vez más, el uso del sonido es valorativo, así como también el manejo de los silencios, que logran ese vaivén de emociones en el espectador.
- Nuevamente aparecen las luces parpadeantes y el manejo del claroscuro como elementos constantes del cine experimental.

Maya Deren: "La magia es nueva" (1946)
- ¿Podría definirse el cine experimental como un cine modesto, es decir, que no requiere de actores reconocidos, tecnología de vanguardia y argumentos comerciales para expresar una percepción particular y natural de la vida?
- ¿Por qué el cine experimental es tan difícil de comprender?
- ¿Podríamos afirmar que el cine experimental nos permite ahondar en las infinitas potencialidades del cine?

Maya Deren: "Cinematografía: el uso creativo de la realidad" (1960)
- ¿Debe hacerse una distinción entre imagen plástica e imagen fotográfica?
- ¿El realismo atenta contra el medio cinematográfico en su dimensión creativa?
- ¿Por qué el cine debe crear una experiencia global?

Passacaglia y Fuga (1975) dir. Jorge Honik
- ¿Honik quiso hacer un paralelismo entre el blanco y negro y el color, para dar a entender el proceso del cambio de estaciones?
- A diferencia de los demás cortometrajes, en este se ven planos panorámicos, representando el ciclo de la vida.
- Me pareció destacable el uso de los relojes, para reforzar el paso de la vida misma.

Ritual in Transfigured Time (1946) dir. Maya Deren
- ¿Qué importancia tiene el negativo en el cine experimental?
- ¿Para Maya Deren la dirección cinematográfica es sinónimo de danza, ya que se muestra como una coreografía fílmica?
- Algo a destacar del cortometraje es la presencia de los fotogramas congelados.

Blue Movie (2015) dir. Michael Morris
- Al igual que en Ritual in Transfigured Time, se recurre a la danza, pero en este caso, también agrega el canto para contar una historia.
- ¿Por qué decidió incluir esas pequeñas frases sueltas, pero a su vez alusivas a la historia, de forma escrita?
- ¿Qué significado tiene el azul a lo largo del cortometraje para Morris?

Stan Brakhage: "Por un arte de la visión"
En el capítulo "Metáforas de la visión" se puede destacar:
- El autor nos invita a tener un ojo aventurero, que se asemeje al "realismo" de un niño, que halla en sus garabatos una realidad indiscutible.
- Entonces, con la adultez ¿La visión se agrieta y se muere?
- La siguiente frase nos invita a ver más allá de lo visible, de lo concreto, de lo accesible, aconsejándonos esto: "Hagan posible el jardín como mejor les parezca; el crecimiento sucede principalmente bajo tierra (...) Todo surge de otra parte" Entonces si le hacemos caso al autor, podremos descubrir potencialidad en los lugares más inesperados. Solo hay que saber ver.

Kindering (1987) dir. Stan Brakhage
- En este cortometraje se puede relacionar el efecto lumínico que aparece a lo largo del film con lo dicho en el texto (cuando se nombró la acción de cerrar los parpados) Esto me remitió a aquel logreado, cuando hacemos dicha acción, al mirar las luces de los automóviles en una autopista.
- Creo que Brakhage quiso transmitir, a través del juego de los niños, acompañado de cánticos, la entrega total al éxtasis del mismo, es decir, se dejan llevar por las sensaciones que van surgiendo sin pensarlo dos veces.
- Así, puedo concluir con que quiso poner énfasis hasta en las más triviales de las escenas para demostrar que hay potencial en todo.

Cat's Cradle (1959) dir. Stan Brakhage
- Observando que en el cortometraje hay una preponderancia de los tonos rojizos, me pregunto qué relevancia tendrá para Brakhage.
- Los rápidos cortes, que vienen a representar movimientos acelerados, me hacen pensar en que quizás podría relacionarse con lo efímero de la vida.
- ¿Qué significa el gato gris?

A través de las ruinas (1982) dir. Claudio Caldini
- Algo que destaco es el recurso de la proyección..
- Lo que me llamó la atención es que no podemos ver los rostros de las personas que aparecen cada tanto en el film, y eso es muy recurrente en las pesadillas, así que creo que el recurso de lo onírico tuvo un papel importante acá.
- La utilización de la iluminación tenue, el mar solitario y por la noche, además de un gato que busca cariño, son algunas de las tantas formas de expresar tristeza y desolación.

La remota posibilidad del amor (2011) dir. Gustavo Galuppo
- La repetición constante de las mismas oraciones por el hombre que habla, da entender lo harto que está de su vida, incapaz de reparar en lo que hace su hija, y mucho menos de disfrutarlo (O por lo menos eso entendí yo)
- Creo que el título refleja el estado mental del protagonista, que sobrepasado por la vida misma, de allí los ataque es de pánico, no le permiten ver lo bello del amor.
- Me llamó la atención la aparición recurrente de los postes de luz (que cada tanto producían un glitch) ¿Qué habrá querido decir con esto Galuppo?

Focus (2008) dir. Pablo Marín
- Retomando algo de las clases anteriores, acá también está presente el recurso de las luces destellantes, y me parece importante mencionarlo.
- Creo que no incluyó la música porque, en mi opinión, el cortometraje es como si tuviera su propio ritmo.
- Me parece que dentro de los cortometrajes de cine experimental que estuvimos viendo a lo largo de las clases, este fue el más simple, y no por eso menos interesante, ya que no recurre ni a los colores ni a la música para contar una historia que ya se deduce por el título.

Tras pasar (2010) dir. Hernán Bula
- ¿Esas líneas que aparecen en todo el cortometraje simbolizarían el viento, no?
- Se recurre nuevamente a la literalidad del título para anticipar el contenido.
- A diferencia de Focus, acá están presentes los colores, entiendo que esto es para resaltar la naturaleza en máxima belleza.

Ventana (1975) dir. Claudio Caldini
- Interpreto que todas esas líneas en realidad eran fragmentos de la fotografía final. Al principio solo aparece una línea, y con el pasar de los minutos, se suman cada vez más, hasta aparecer la foto de la ventana.
- Creo que la música le otorga el suspenso necesario para la revelación final.
- Quisiera destacar la superposición entre las líneas y el ruido que producen al chocarse. En principio, parecen una suerte de espadas que luchan, sorprendiendo al espectador finalmente con otra idea que nada que ver tenía con esta.

Geografía nómada (2015) dir. Fernando Domínguez
- Recurre constantemente a las superposiciones, hasta que la imagen se distorsiona.
- ¿Es una interpretación valida decir que el protagonista es un fantasma? Me surge esta pregunta por el hecho de que algunos muebles se traslucieran en su piel, como si él fuese transparente.
- Las numerosas superposiciones de los objetos van deformando a los mismos ¿Quisieron que esto tenga algún significado o habrá sido el resultado del propio efecto?

Gene Youngblood: "Cine Expandido" (Parte Uno)
- Aprendí que ver es sinónimo de entender, ya que el proceso de información se realiza en los ojos antes de que pasen al cerebro, por lo tanto, creo que la emotividad jugará un papel importante ante la racionalidad.
- Entonces ¿El artista comercial estaría atentando contra la esencia del artista genuino y pasional?
- ¿Podríamos decir que el cine comercial es sinónimo de predictibilidad, pues su contenido está condicionado por el fin en sí mismo, es decir, el lucrativo?

The Dante Quartet (1987) dir. Stan Brakhage
- Destaco la división de partes, en las que cada una tiene un encuadre diferente, que hacen a los diversos niveles de alguien que va bajando al infierno.
- La parte final, en donde aparece como una erupción volcánica ¿Querrá poner énfasis en el fuego infernal?
- ¿Podríamos, leyendo el titulo, remitirnos directamente a la Divina Comedia de Dante Alighieri, puesto que intenta enseñarnos como salvar un alma del infierno?

El Quilpo sueña cataratas (2012) dir. Pablo Mazzolo
- Lo que interpreté es que deja entrever de una manera muy artística todo lo que implica la naturaleza en sí misma: hermosura, bravura y magnificencia enigmática que nos lleva a preguntarnos cómo puede existir algo tan maravilloso.
- Esa breve reseña que está al comienzo del cortometraje me pareció una buena manera de introducirnos al tema y disfrutarlo más al saber el contexto.
- Con respecto al sonido, creo que la primera parte, que carece de música, y en donde solo escuchamos ruidos de la naturaleza en crudo, representaría a lo más puro de nuestro planeta, en cambio, cuando aparece la figura humana, estos son intervenidos para crear una melodía artificial.

Après le feu (2010) dir. Jacques Perconte
- Teniendo en cuenta el título, que en español significa "después del incendio", podemos observar la relación entre esta catástrofe y la desaparición o extinción del espacio forestal.
- La función del tren, que avanza lentamente, tiene un papel preponderante, ya que nos permite observar el proceso de destrucción del bosque.
- ¿En el final, donde la imagen se congela, podemos advertir que el tren fue consumido por el fuego?

Fuses (1967) dir. Carolee Schneemann
- ¿El titulo, que traducido al español significa fusibles, quiere hacer hincapié en la comparación que surge de algún cortocircuito en donde justamente saltan los fusibles, con la llegada al clímax sexual?
- Creo que la presencia del gato y de las secuencias de paisajes acompañan el sentido de naturalidad que tiene el acto sexual.
- ¿La ventana, con la cortina moviéndose al compás del viento de un amanecer, daría una sensación de libertad, equivalente a disfrutar en plenitud de las pasiones?

Gene Youngblood: "Cine Expandido" (Parte Dos)
- ¿El cine sinestésico, entonces, sería el reflejo de la conciencia del cineasta, es decir, de su realidad?
- Sabiendo que el cine sinestésico no puede dejar de lado cualquier dualidad compuesta por opuestos armónicos, como ser adentro/afuera, blanco/negro, encendido/apagado, si/no, bueno/malo, arriba/abajo, entre otros, si puede con todo lo dicho dejar en claro que se opone a las enseñanzas de la psicología gestáltica, que nos invita a elegir entre una y otra cosa ¿Esta contrariedad nos lleva a la apreciación de este tipo de cine, que es la visión sincrética por excelencia?
- El efecto oceánico del cine sinestético refleja en su denominación la inmensidad de su trascendencia, pues es comparable a la sensación hipnótica que nos provoca, por ejemplo, la observancia de ciertos elementos de la naturaleza por su natural magnificencia, que nos transporta a un éxtasis de la conciencia.

Samadhi (1967) dir. Jordan Belson
- El cortometraje me llevó a la idea de la meditación, donde la música y los colores sugieren este estado. El nombre Samadhi proviene del budismo y significa el estado más elevado de la conciencia.
- Siguiendo con esta idea, es necesario hacer un proceso que recorra los elementos que conforman el universo: tierra, fuego, agua y aire, y creo que se ven muy bien a través de los colores que los representan.
- Finalmente, intenta demostrar a través de movimientos que el hombre logra ser uno con el universo.

Loretta (2003) dir. Jeanne Liotta
- Me llamó la atención como el recurso del movimiento de la cinta hace alusión al pasaje del tiempo.
- Loretta aparece "luchando" o intentando escapar de donde está presa, y esto es justamente la alusión del tiempo nuevamente como cápsula que contiene nuestra existencia.
- ¿La preferencia del color amarillo tendrá algún significado o será simplemente una cuestión de gustos?

7362 (1967) dir. Pat O'Neill
- A primera vista, me recordó a las manchas del test de Rorschach, que se usan en psicología para demostrar determinados aspectos de la personalidad humana, relacionadas por medio de asociaciones con estas manchas.
- Siguiendo con el punto anterior, esas manchas que son aparentemente abstractas, terminan finalmente significando algo. Podemos ver que en realidad representan siluetas humanas, como la de bailarines, gimnastas, etc.
- Algo que noté es la acción constante de unir y separar, acompañado de una música electrónica que le da un cierto ritmo que le es funcional al concepto.

Walter Benjamín: "La obra de arte en la época de su reproductibilidad técnica"
- Según Benjamín ¿Con la reproductibilidad técnica del arte o los materiales entrarían en transformación sino también el mismo concepto de arte?
- ¿Entonces podríamos decir que con la industrialización y la pretensión de que las obras de arte llegaran a las masas, se perdió el aura que le daba autenticidad, entendida por su unicidad, por el aquí y el ahora, es decir, por el lugar y el momento en donde se encuentra?
- ¿La obra de arte abandona aquella función ritual que tuvo históricamente ligada a lo religioso, lo sagrado y lo exclusivo para tener un valor político, manifestado a través de la accesibilidad en masa?

¿Cómo crees que se articula este texto con lo tratado hasta este punto en la materia?
Este texto puede articularse con la concepción del cine como lenguaje universal. No importa si se trate de cine experimental, comercial o sinestésico, entre otros, porque al fin y al cabo, es cine, es una experiencia estética y narrativa. Aquí aparece la articulación en cuanto a la finalidad última. La reproductividad implica la pérdida del aura en las obras de arte, pero aun así, tiene su mérito, y este radica en su accesibilidad a las masas, dejando de lado la exclusividad inicial para ser ahora de gozo popular y democrático, puesto que los objetos producidos son realizados por la humanidad toda.

Roles (1988) dir. Graciela Taquini
- Me pareció excelente la contraposición casi irónica de la canción de fondo llamada "Only You" frente al desdoblamiento que tiene la persona de Taquini en infinidad de roles, que las voces le van imponiendo una y otra vez.
- La aparición de un objeto filoso durante el transcurso del cortometraje anticipa la desesperación de Taquini frente a la carga insoportable que le implican tantos roles en una sola persona, hallando en el grito, la liberación al fin.
- ¿Puede la posición fetal ser un recurso de salvación, ya que una persona adulta quiere regresar a ese momento donde nada le hacía daño?

Teoría de la deriva (2000) dir. Gustavo Galuppo
- Se podría decir que en el cortometraje, el director quiere transmitir la idea pesimista acerca de la vida, donde todo esfuerzo termina trágicamente, es decir, a la deriva.
- La imagen de una persona a punto de ser fusilada por militares remarca esta idea, donde en un mundo manipulado y corrupto, la defensa de los ideales termina en un saco vacío.
- El tornado nos muestra la fragilidad de la vida, y en esa concepción entra esta teoría, ya que de manera imprevista se desmorona nuestro existir como un castillo de cartas que es arrasado por un fenómeno natural inmanejable.

Filtraciones (1999) dir. Alejandro Sáenz
- Destaco una frase muy conocida que dice: "Hablar de la casa de uno es como hablar de sí mismo", y en este caso podemos percibir que el habitante no estaba en armonía consigo mismo, y la casa reflejaba su estado a través de las filtraciones y el abandono.
- Me llamaron la atención la cantidad de efectos de distorsión que utilizó.
- La duda de llevarse el espejo a su nueva casa o dejarlo, puede relacionarse con la idea de que uno siempre deja rastros por donde va porque son prueba fiel de sus momentos vividos.

Filtraciones (1999) dir. Alejandro Sáenz
- Destaco una frase muy conocida que dice: "Hablar de la casa de uno es como hablar de sí mismo", y en este caso podemos percibir que el habitante no estaba en harmonía consigo mismo, y la casa reflejaba su estado a través de las filtraciones y el abandono.
- Me llamaron la atención la cantidad de efectos de distorsión que utilizó.
- La duda de llevarse el espejo a su nueva casa o dejarlo, puede relacionarse con la idea de que uno siempre deja rastros por donde va porque son prueba fiel de sus momentos vividos.

Esplín o errar o sin embargo (2007) dir. Hernán Khourian
- El video trata sobre un sujeto (el director) y la cotidianeidad de su hogar. Allí, él se desdobla en sujeto y reflejo para dar acto de presencia, por ejemplo, en la parte donde podemos verlo al ser reflejado en una esfera navideña.
- Me gustó el recurso del dispositivo tecnológico para filmar la intimidad de la casa desde otro ángulo, pero limitada por ese espacio físico.
- Algo para destacar es el tratamiento sonoro, que al ser los sonidos naturales de esos objetos, dan una impresión de cercanía, como si estuviéramos allí junto al director.

Rachel Schefer: Vi-deo memoria: Autobiografías, autorreferencialidad y autorretratos.
- Podemos resumir que el autorretrato se define como la introspección estética y técnica.
- Algo que me pareció interesante es que el desdoblamiento del director como dispositivo narrativo puede ser logrado no solo con la aparición del mismo de cuerpo entero, sino que también puede ser a través de alguna parte de su cuerpo o simplemente con su voz en off, que subrayen su presencia.
- También quiero destacar que para la reconstrucción del pasado en una autobiografía, el director utiliza imágenes de archivo subjetivamente filtradas, es decir, con un refinamiento artístico.

Max Horkheimer y Theodor Adorno: La industria cultural. Iluminismo como mistificación de masas
- ¿Se podría decir que según Horkheimer y Adorno, el verdadero valor del arte en los tiempos del capitalismo ha reemplazado su valor “letrado” por uno “masivo”?
- ¿Estamos en presencia de una industria cultural que le es funcional al capitalismo, para imponer su ideología política, logrando así obediencia y servidumbre de las masas, o mejor dicho consumidores, que son hipnotizados por la gran oferta artística que toma junto a éstos el valor de mercancía?
- ¿La industria cultural debe ser vista como el equivalente estético del dominio que en su afán de igualar a las masas, no hace más que domar a los instintos revolucionarios a través de su distribución mediante la publicidad en los medios que sería el motor que la mantiene con vida?

Relación de Horkheimer y Adorno con cualquier tema que vimos en la materia hasta el momento (En mi caso, lo relacioné con Walter Benjamín)
Según Horkheimer y Adorno, la civilización actual se reconoce en la semejanza. El cine, la radio, la televisión, entre otros, son un combo indivisible en cuanto a su finalidad primera que es la reproducción de una ideología que se erige sobre la industria cultural dada al capitalismo, produciendo un efecto nocivo que es la alienación del hombre en pos del aumento de la productividad económica. Ponen énfasis en que los bienes culturales no siempre son objetos que los consumidores adquieren en el mercado, porque hay otros que son de acceso gratuito, difundidos por ejemplo, por la radio de manera abierta. Estos también funcionan con lógica de mercancía, ya que detrás de ellos hay anunciantes que financian los espacios radiales, los que pagan por tales productos y la publicidad, hace de columna vertebral que articula y sostiene todas las actividades de la industria, dándole así, una función económica y reproductiva, propia de una mercancía. Todos constituyen un sistema que responde al poder hegemónico imperante que trabaja para conseguir la igualación del hombre y dormir sus instintos revolucionarios. Tienen una mirada pesimista de la industria cultural porque ha hecho del ciudadano un consumidor que se limita a adquirir y consumir todo el tiempo los bienes culturales que el mercado le ofrece, porque dicha industria diseña y racionaliza los productos según los diferentes tipos de usuarios, de manera que no haya mercado librado al azar, alcanzando finalmente la obediencia y servidumbre de las masas. Por otro lado, Walter Benjamín, otro pensador de la misma escuela de Frankfurt a la que pertenecen Horkheimer y Adorno, tiene una mirada benévola sobre la industria cultural, pues cree que está bien democratizar la cultura para que muchas más personas tengan acceso al arte, para percibirlo y apreciarlo, de modo que de pertenecer a unos pocos, no tendrían la posibilidad de erigirse en una sociedad crítica sobre la cultura.

Laura Baigorri: "Video: Primera Etapa"
- ¿Se podría decir entonces que el Fluxus es un combo entre el azar, el humor, el juego, la provocación y la ausencia del requisito de tener una especialidad artística?
- En un concierto alternativo, el estilo Fluxus se manifestará sacrificando un instrumento o sobre el cuerpo del artista para buscar el sonido último de dicho instrumento para el cual no fue pensado. Así, el artista transgredirá esa "idea primera" para hallar lo abstracto, es decir, descubrir lo que no se espera literalmente de él, pero que igual implícitamente está ahí.
- ¿El Fluxus, en su afán por ser vanguardista, se volvió inevitablemente escandaloso?

Zefiro Torna (1992) dir. Jonas Mekas
- Debido a que el Fluxus es una experiencia, este corto-documental homenaje refleja la experiencia de vida de un artista fundador de todo un movimiento que intenta ir más allá de lo tradicional, haciendo de lo abstracto, lo esencial.
- Dada la disolución del Fluxus tras la muerte de Maciunas, se podría decir que se sucedieron otros movimientos subversivos como el underground, entre otros, que utilizaron el juego y el humor para provocar, demostrando así que el Fluxus no se ha extinguido después de todo, y eso se ve en el paralelismo con el cortometraje en el que se intenta rescatar el espíritu vivo del legado de Maciunas.
- Algo destacable es la actitud de Maciunas ante la muerte, ya que sabe que ese es el juego que todos debemos jugar en algún momento, y por eso, en su movimiento el juego es un requisito indispensable, haciendo de este acercamiento con la muerte, un motivo más para festejar que se está vivo. Por lo tanto, vemos en la escena del hospital como intenta vivir el paso a paso de una manera liberadora, y así, debe ser el arte en su máxima expresión.